UNDERWATER WEAVING STUDIO

25 févr.
11 min de lecture

Nous avons le plaisir de publier une interview exclusive d’Erin Pollard, la créatrice de Underwater Weaving Studio. Ancienne figure des coulisses de la mode new-yorkaise, Erin a quitté les magazines pour réinventer un savoir-faire ancestral : la vannerie. Entre Brooklyn, Montauk et le Maine, elle crée des pièces à la fois sculpturales et utiles, mêlant héritage artisanal et esthétique contemporaine. Avec ses ateliers et son club de tissage parmi les plus en vue de New York, Erin transforme le fait main en un véritable art de vivre, réintroduisant lenteur, beauté et intention dans nos intérieurs et notre quotidien. Une plongée inspirante dans son univers où design et geste se rencontrent.

1_Erin, peux-tu nous parler de ton enfance et de l’environnement qui a façonné ta relation au travail manuel et à la créativité ?

J’ai grandi dans une petite ville du Maine où la liberté et le travail faisaient partie du quotidien. Enfant, je me sentais soutenue, curieuse, portée par une vraie énergie créative. Cette créativité passait d’abord par le mouvement : ballet, hip-hop, performance — à l’époque MTV ouvrait une fenêtre sur le monde. J’aimais partir d’une base classique et la transformer.

En parallèle, j’étais immergée dans un univers très concret de fabrication. Mon père dirigeait le restaurant familial, véritable centre social de la ville. Ma mère enseignait la vannerie dans notre sous-sol, entourée d’amis et de membres de la famille. Le geste et le lien humain étaient indissociables.

Dans les années 80 et 90, en plein courant Americana (esthétique culturelle américaine qui célèbre l’Amérique rurale, populaire et vintage — entre folk, country, workwear et nostalgie des grands espaces), ma mère a développé son activité : boutique, ateliers, production pour L.L. Bean. Je la regardais construire ses motifs avec une précision remarquable. Même si j’ai d’abord voulu m’en éloigner en lançant mon studio, je réalise aujourd’hui que cet héritage a structuré ma façon de créer : respecter la technique tout en cherchant des formes plus contemporaines, plus personnelles.

2_ Comment ton parcours professionnel t' a-t-il menée à la création d'Underwater Weaving Studio ?

J’ai quitté le Maine avec l’envie d’explorer. De 2005 à 2022, j’ai travaillé dans la presse mode, à des postes stratégiques chez Harper’s Bazaar, Vogue et Goop. Une formation accélérée, au cœur du système : comprendre les maisons françaises, italiennes et américaines, décoder le design, maîtriser l’histoire du marketing, intégrer les dynamiques d’affaires. Observer comment se fabrique le désir — et comment il s’entretient.

Puis le décalage. En devenant mère, mes priorités ont changé. Le regard aussi. J’ai commencé à voir plus nettement le gaspillage, la répétition des tendances, la pression compétitive permanente. La machine tourne, toujours plus vite. Moi, j’aspirais à quelque chose de plus intentionnel, plus ancré, plus responsable.

3_ Quel a été le véritable déclencheur de la création du studio ?

Le déclic est venu simplement. À Montauk, mon fils a trouvé une botte de rotin sous mon lit et m’a demandé ce que c’était. Je lui ai tressé un panier, de mémoire. Un geste précis, appris enfant, jamais vraiment oublié. Tout s’est réactivé. Ce n’était pas une reconversion. C’était un retour à la maison. Une reconnexion à ma mère, à une lignée d’artisans, à un savoir-faire qui ne dépend ni des saisons ni des algorithmes. Underwater Weaving Studio est né de cette évidence. Ce premier panier tressé pour mon fils a réveillé un savoir enfoui et clarifié ma direction. À 40 ans, après la pandémie, j’étais déjà en quête d’ancrage. Le tressage s’est imposé comme un chemin — pas comme une nostalgie, mais comme une décision.

4_Quelle est l’origine du nom “Underwater Weaving” et que symbolise-t-il pour toi ?

Le nom joue sur deux registres. D’un côté, il décrit un geste très concret : pour travailler les fibres naturelles, il faut les immerger afin de les rendre souples. De l’autre, “underwater basket weaving” est une expression employée pour tourner en dérision les savoir-faire manuels, souvent associés au travail domestique féminin. L’idée ici est d’en inverser la charge. Transformer une formule condescendante en manifeste. Affirmer la valeur du geste, de la lenteur et de la délicatesse comme puissances culturelles à part entière.

5_Comment définirais-tu ton esthétique et comment cela se reflète-t-il dans ton travail ?

Je me vois comme une conceptrice guidée par l’exigence du beau. Quelqu’un qui résout par la forme. Mon travail se situe à la lisière entre sculpture et usage. Je cherche des pièces qui portent une mémoire, presque archaïque, mais traversées par un regard contemporain. Je m’ancre dans l’héritage Wabanaki et Shaker du Maine, dans l’Americana artisanale des années 80-90, tout en laissant entrer la danse et la mode dans le processus. Les lignes, les rythmes, les volumes circulent d’un univers à l’autre.

Aussi, mes créations épousent les territoires que j’habite. À Brooklyn, elles se tendent vers des silhouettes épurées et des teintes profondes. À Montauk, elles deviennent plus pragmatiques : paniers pensés pour le jardin, pour le marché, pour le quotidien salé. Dans le Maine, les formats s’élargissent, plus rustiques, parfois rayés comme des bouées de homard ou des flanelles vintage. Je ne dessine pas pour une cible théorique. Je crée pour des gestes réels, pour des vies concrètes.

6_Comment sont structurés tes ateliers et qu’apportent-ils aux participants ?

Transmettre est essentiel pour moi. J’ai voulu moderniser l’approche de la vannerie, la rendre accessible sans la simplifier. Nos ateliers dans le Maine et notre Weaving Club bimensuel sont pensés pour accueillir débutants et initiés. Chaque modèle est original. Les participants reçoivent des matériaux de qualité, des outils, des instructions détaillées. Mais au-delà de la technique, les participants vivent une expérience; travailler avec ses mains est profondément apaisant. Beaucoup parlent d’un sentiment de retour à quelque chose d’essentiel. C’est une manière de suspendre le temps.

7_Ton travail s’inscrit-il dans le mouvement actuel de retour au fait main ?

Je préfère parler de retour plutôt que de tendance. Pendant des décennies, on a troqué des objets faits pour durer contre des équivalents jetables, au nom d’un progrès mal calibré. Je ne vis pas au ralenti — piloter une entreprise impose son rythme et ses contraintes — mais je travaille avec une autre intention. Chaque matériau engage une responsabilité : comprendre d’où il vient, comment il vieillit, ce qu’il laisse derrière lui.

Le fait main n’est pas une posture nostalgique. C’est une position. Une manière d’opposer à la culture du jetable des objets pensés pour traverser le temps, et pour être réparés, transmis, utilisés sans s’excuser d’exister.

8_Comment imagines-tu l’évolution de ton studio ?

Je veux que tout reste organique, cohérent, sans croissance forcée. Le panier n’est pas un simple contenant : c’est un support narratif. Il circule, il s’use, il accompagne. De là découlent naturellement des dialogues avec la mode, le design, le floral — des champs où l’objet peut changer d’échelle sans perdre son sens.

Je m’intéresse aussi à ce que l’artisanat produit au-delà de l’objet. Le geste répété, la concentration, le rapport direct à la matière ont un impact mental réel. Il y a là une dimension de soin, loin du discours marketing sur le bien-être. Le studio doit évoluer, oui, mais sans emballement. Grandir à la bonne vitesse. Rester alignée avec une vision claire plutôt que courir après la demande.

9_Quel rôle joue le Maine dans ton travail ?

Le Maine est un socle. Les paysages structurent les volumes, la lumière impose son tempo, les couleurs viennent du réel : bouées de homard passées par le sel, herbes sauvages, gris bleuté des côtes balayées par le vent. Rien d’anecdotique, tout part du terrain.

Le lien est aussi écologique. La vannerie locale s’est construite autour du frêne, aujourd’hui fragilisé par l’agrile. Impossible d’ignorer cette menace. Je m’engage dans sa préservation, parce que la matière n’est pas interchangeable. Elle porte une histoire, un écosystème, une culture. Mon inspiration n’est donc pas décorative. Elle implique une responsabilité. Créer ici signifie s’inscrire dans un territoire et participer à sa continuité.

10_Qu’est-ce qui t'inspire le plus en ce moment ?

Je collectionne des magazines artisanaux des années 80 et je revisite l’esthétique Shaker. J’observe aussi les marques américaines qui produisent localement. J’expérimente différents savoir-faire pour mieux comprendre les matériaux. Mais ma plus grande source d’inspiration reste simple : passer du temps dehors avec mon fils. La nature clarifie mes idées.

11_Quel est ton lien avec la France et l’Europe ?

Il s’est construit dans la mode, au contact des maisons françaises et italiennes. J’y ai appris le respect du design et du patrimoine. Je me sens proche d’une sensibilité européenne qui valorise les objets utilitaires bien faits et la transmission. J’aimerais y développer mon travail, progressivement, avec cohérence. Le tressage est un langage universel.

erin pollard tissant lors d'un atelier Underwater Weaving Studio

english text

1_Hi Erin, can you tell us about your childhood and the environment that shaped your relationship with hands-on work and creativity?

I grew up in a small town in Maine where freedom and hard work coexisted naturally. My childhood felt open, supported, curious. Creativity first moved through my body — ballet, hip-hop, performance — during the MTV years that gave me a glimpse of the wider world. I was always trying to take something traditional and bend it into a new form.

At the same time, I was surrounded by making in its most concrete sense. My father ran the family restaurant, the social anchor of our town. My mother taught basket weaving in our basement, gathering friends and relatives around craft. Work and human connection were inseparable.

In the late ’80s and ’90s, during a wave of Americana aesthetics, my mother learned to weave, opened a craft store, led workshops and even produced for L.L. Bean. I remember sitting at the top of the basement stairs, watching her construct patterns with absolute precision.

Where I’m from, people don’t necessarily leave. I always wanted to. When I launched my own studio, I intentionally moved away from her folk aesthetic — a quiet rebellion. But looking back, that environment shaped everything. My mother’s structural rigor and my background in movement merged. I learned to respect historical technique while pushing toward forms that feel elevated, lyrical and distinctly mine.

2_ How did your professional journey develop from that childhood, and what were the key steps that led you to Underwater Weaving Studio?

My ambition took me far from Maine. From 2005 to 2022, I worked in fashion publishing, holding executive partnership roles at Harper’s Bazaar, Vogue and Goop. It was an extraordinary training ground. Studying French, Italian and American fashion houses gave me a deep education in design, marketing history and the architecture of business relationships.

But eventually, I outgrew that world. As I began raising a family, my values shifted. I became more aware of fashion’s inequities, its cyclical waste, and what I call its “competitive blur.” I craved a slower, more intentional way of living.

The turning point came unexpectedly. In Montauk, my young son found a coil of reed under my bed and asked about it. On impulse, I wove him a basket from memory. In that moment, everything clicked. It felt like a homecoming — a reconnection to my mother, to my past, and to a lineage of makers.

At first, I experimented wildly — leather scraps, grapevines, objects shifting form. Slowly, I understood that I could merge my mother’s solid construction with a more sculptural, modern sensibility. That’s when Underwater Weaving Studio truly emerged — not as a pivot, but as a recalibration.

3_What was the catalyst that led you to create Underwater Weaving Studio?

The catalyst was that first basket woven for my son. It unlocked a dormant language in my hands. Around that time — post-pandemic, turning forty, raising a young child — I was already reconnecting to gardening, meditation and the physical act of making. Weaving crystallized it. It wasn’t nostalgic. It was directional.

4_Can you tell us about the origin of the name “Underwater Weaving” and what it symbolizes for you?

The name operates on two levels. Practically, natural materials must be soaked in water to become pliable enough to weave. Culturally, “underwater basket weaving” has long been used as a joke — a way to dismiss vocational study, domestic labor, women’s work. I chose to reclaim it. To embrace the humor and flip the narrative. What was once a punchline becomes a statement. For me, it centers softness, slowness and beauty as legitimate forms of power.

5_How would you describe your aesthetic and how does it translate into your creations?

I see myself as a problem-solver who values beauty. My work lives at the intersection of sculptural art and everyday utility. I want pieces that feel rooted in history but unmistakably modern.

My influences range from Maine’s Wabanaki and Shaker legacies to the Americana craft movement of the 80s and 90s, layered with my background in dance and fashion. The result is work that feels grounded yet lyrical — structural, but timeless.

I design according to the places I inhabit. In Brooklyn, forms are polished and tonal — deep chocolate, midnight hues. In Montauk, they become highly functional garden and market baskets. In Maine, they expand into oversized rustic forms and striped totes inspired by lobster buoys, roadside weeds and vintage flannel. It’s personal geography translated into object.

6_You run workshops: can you explain how they are structured and what participants gain from them?

Teaching feels vulnerable because weaving is personal. But preserving craft requires access.

I wanted to reimagine how basketry is taught. Through in-person gatherings in our Maine barn and our bi-monthly Weaving Club, we offer an approach that’s welcoming to beginners yet engaging for experienced makers. Each pattern is original. Members receive high-quality rattan, tools and detailed booklets.

Every project carries a thematic layer — Rituals, Self-Care, Harvest — creating a meditative framework. But beyond technique, what people gain is a recalibration. Making with your hands is grounding. Participants often describe it as a homecoming, a return to something essential. It’s permission to step off the modern treadmill and inhabit time differently.

7_Do you feel your work fits into the broader return to handmade craft?

Absolutely — though I see it as a return rather than a trend. We live in an era of speed and saturation. When I began, basketry felt almost untouched by the internet. That blank space allowed genuine discovery. Over time, we replaced durable, thoughtful objects with convenient, disposable ones marketed as progress.

I see our studio — alongside other intentional makers — as a quiet resistance to disposability. My life isn’t slower; running a business is constant. But the intention has changed. It’s about respecting how things are made and understanding their life cycles. This return isn’t just about baskets. It’s about revaluing the act of making itself.

8_How do you envision the evolution of your studio?

Everything we do is handmade and organic, and I intend to keep it that way. I left one hamster wheel; I won’t build another.

Because I see baskets as carriers of story, expansion feels natural — into fashion, home design, floral and food collaborations. We already partner with select fashion houses and retailers, but only when the alignment feels authentic. I’m also deeply interested in the wellness dimension of craft — the mental health benefits of working with your hands. Moving forward, I want to continue evolving quietly, deliberately, and in dialogue with real life.

9_How does Maine inspire you?

Maine is foundational. My work draws from its layered history — Wabanaki and Shaker legacies, the Americana craft era of my childhood. Our barn and lake camp directly influence scale and function. I need oversized baskets there; I carry woven totes daily. The landscape dictates utility. Even our color palettes — stripes inspired by lobster buoys, wild weeds, coastal light — come from lived experience.

My connection is also ecological. Historically, Maine basketry relied on ash splints from what the Wabanaki call the “basket tree.” With ash threatened by the emerald ash borer, I work locally and with the University of Maine to help preserve it. For me, inspiration and stewardship are inseparable.

10_ What are you enjoying at the moment?

I’m currently immersed in historical craft references — collecting vintage Basketmaker magazines from the 1980s and revisiting the era when my mother began weaving.cI was also deeply moved by The Testament of Ann Lee, a film about the Shaker founder, which reinforced my belief in pure, functional design. In fashion, I’m energized by American brands committed to local production and by the designers my husband collaborates with through his lighting company. Beyond that, I experiment constantly with new materials and crafts.

But most of all, I’m inspired by time outdoors with my son. Movement, snow, silence — that’s what clears my head and fuels the studio.

11_What is your relationship with France and Europe?

My connection to France and Europe began during my years in fashion publishing, studying closely the French and Italian houses that shaped the industry. That experience gave me a sophisticated understanding of design culture and international business. Philosophically, I feel aligned with a European sensibility — the respect for heritage craft, for beautifully made utilitarian objects, for passing things down. It mirrors what I aim to build.

I hope to expand there over time. Weaving is a universal language. I would love to see our functional sculptures and Weaving Club take root in European homes — slowly, thoughtfully, and with intention.