Dans le sud du Jutland, au cœur du paysage rural danois, une longère de 1885 rejoue un scénario devenu central dans la déco contemporaine : celui de la campagne réinventée comme territoire culturel et esthétique. Le projet, porté par Dinesen avec les architectes Mentze Ottenstein et Jørgen Overby, dépasse largement la rénovation patrimoniale. C’est un objet éditorial à part entière. FR_ Dinesen s’est imposée comme l’un des acteurs les plus identifiables du bois haut de gamme en Europe du Nord, avec une esthétique immédiatement reconnaissable : des planchers larges, des essences nobles et une vision du matériau pensée comme langage architectural à part entière. L’entreprise ne se contente plus de fournir des surfaces, elle construit désormais des récits spatiaux où le bois devient structure, ambiance et signature. Dans cette logique s’inscrit le Dinesen Country Home, une longère du sud du Jutland datant de 1885, restaurée puis réinterprétée par les architectes de Mentze Ottenstein après une première intervention de Jørgen Overby. Le projet conserve l’ossature traditionnelle de la maison danoise — façade blanche, toiture de chaume, implantation rurale — tout en la transformant en espace contemporain pensé comme vitrine habitée de la marque. EN_ Dinesen has established itself as one of Europe’s most recognisable references in high-end wood flooring, building a clear aesthetic language around wide planks, refined timber selections and an architectural approach where material becomes narrative. The company no longer operates solely as a supplier of surfaces; it increasingly constructs spatial experiences in which wood defines structure, atmosphere and identity. This approach is embodied in the Dinesen Country Home, a 19th-century longhouse located in southern Jutland, originally built in 1885 and later restored before being reinterpreted by the architecture studio Mentze Ottenstein following an earlier intervention by Jørgen Overby. The project preserves the essential codes of traditional Danish rural architecture — whitewashed façades, thatched roof, low horizontal profile — while transforming the interior into a contemporary spatial statement for the brand. FR_ À l’intérieur, la lecture est volontairement minimaliste. Les volumes sont épurés, les circulations fluides, les décors réduits à l’essentiel. Le bois est omniprésent; il structure les sols, prolonge les murs, absorbe la lumière et donne une continuité visuelle à l’ensemble. Les tonalités vont du clair au plus profond, avec une montée progressive vers des espaces plus intimes, comme une bibliothèque aux teintes plus denses. Le mobilier reste discret, souvent intégré ou choisi pour sa neutralité, afin de laisser le matériau principal occuper tout l’espace narratif. Cette mise en scène n’est pas neutre : elle place le bois au centre du discours architectural. Chez Dinesen, il ne s’agit pas d’un revêtement mais d’un système complet, à la fois technique et esthétique, qui définit la perception des lieux. Le Country Home fonctionne ainsi comme une démonstration silencieuse du cœur de métier de la marque : la maîtrise des essences, des proportions et de la lumière à travers la matière bois. EN_ Inside, the design language is deliberately minimal. Spaces are open, transitions are fluid, and decorative elements are reduced to a strict minimum. Wood is everywhere, but never treated as ornament. It structures floors, extends into walls, and shapes the perception of light throughout the house. A subtle gradient runs through the interior, moving from lighter tones in the main living areas to deeper, more intimate shades in private zones such as the library. Furniture is understated, often integrated or carefully selected for its neutrality, allowing the material itself to dominate the visual and sensory experience. This restraint is not stylistic neutrality but a clear positioning. In this context, wood becomes the central argument. For Dinesen, it is not a finish but a complete system — technical, aesthetic and spatial — that defines how the architecture is experienced. The Country Home operates as a quiet demonstration of this philosophy, where material expertise is translated into lived space rather than display. " À l’intérieur, la lecture est volontairement minimaliste. Les volumes sont épurés, les circulations fluides, les décors réduits à l’essentiel. " FR_ Le lieu ne se limite toutefois pas à une fonction d’exposition. Il est aussi pensé comme un espace d’usage, ouvert à l’hospitalité. La Country Home peut être louée, ce qui la fait basculer dans une logique hybride entre résidence, expérience immersive et outil de représentation. Cette dimension renforce encore son statut particulier : celui d’une maison habitée mais aussi activable, où l’on peut séjourner au sein même d’un univers de marque totalement incarné. EN_ Beyond its architectural role, the house is also designed as a place of hospitality. The Dinesen Country Home can be rented, introducing a hybrid status between private residence, immersive experience and brand environment. This shifts the project away from a conventional showroom logic towards something more active and experiential: a space that is not only observed, but inhabited, temporarily placing visitors inside the universe of the brand itself. ↳ dinesen © Monica Grue Steffensen

Les 22 et 23 juillet prochain, à l’initiative de Fitzpatrick Gallery, Sans titre et The Performance Agency, Salon d'été réunit les oeuvres d'une vingtaine d'artistes contemporains au sein de l'iconique maison moderniste Louis Carré conçue par l'architecte Alvar Aalto dans les Yvelines. Le temps d'un week-end, Salon d'été rassemble une vingtaine de galeries, éditeurs et project-spaces émergents, invité.e.s à présenter chacun.e un.e artiste au cours d’une exposition collective. Celle-ci sera accompagnée par une sélection de publications de la librairie After 8 books, ainsi qu’un programme de performances et de prises de parole. L'exposition s'invite dans la maison de Louis Carré, collectionneur et marchand d’art qui co-fonda le Comité Professionnel des Galeries d’Art (CPGA) créant ainsi un parallèle avec l'histoire du lieu. Maison Louis Carré - Alvar Aalto © Frederik Vercruysse La Maison Louis Carré Au milieu des années cinquante, le galeriste Louis Carré demande aux architectes et designers finlandais Alvar et Elissa Aalto de bâtir une maison pour sa famille à Bazoches-sur-Guyonne dans les Yvelines. La maison a pour vocation de recevoir un grand nombre d'invité.e.s parmi les ami.e.s artistes et collectionneurs du couple, et d'y abriter leur collection d'oeuvres d'art personnelle comprenant des peintures et des sculptures des plus grands maîtres des XIXème et XXème siècle. La Maison Louis Carré, unique réalisation de l'architecte en France, est une œuvre d’art à part entière qui comprend les bâtiments, le jardin, la piscine, le mobilier et l’aménagement intérieur où tout a été pensé dans le moindre détail. La maison a été créée dans l’esprit de l’architecture organique, qui prône l’harmonie entre l’humain et son habitat naturel. Informations Exposition Salon d'été 22 & 23 juillet 2024 Maison Louis Carré 2, chemin du Saint-Sacrement 78490 Bazoches-sur-Guyonne ↳ maisonlouiscarre I salondete.art

Édouard Manet, L’Évasion de Rochefort, vers 1881. Huile sur toile, 79 x 72 cm Paris, musée d’Orsay © Rmn Grand-Palais / Musée d’Orsay À l’occasion de la célébration des cent cinquante ans de la naissance de l’impressionnisme, le musée des impressionnismes Giverny, situé à deux pas de la maison de Claude Monet dans l'Eure, organise, du 29 mars au 30 juin 2024, une exposition intitulée L’Impressionnisme et la mer. Claude Monet (1840-1926) Marée basse aux Petites-Dalles, 1884. Hasso Plattner Collection, MB-Mon-16 © Hasso Plattner Collection Le titre de la marine de Claude Monet, Impression, soleil levant, est à l'origine du nom du courant Impressionniste. En 1874, le critique d'art Louis Leroy publia un article acerbe sur l'exposition organisée par le groupement de peintres avant-gardistes qui cherchaient alors à traduire sur la toile leurs impressions plutôt que de suivre les codes de l'Art Académique. "Je me disais aussi, puisque je suis impressionné par ce tableau, il doit y avoir de l'impression là-dedans!" À la suite de ce pamphlet, les artistes ont repris le terme "impressionniste" pour assumer et revendiquer leur anti-conformisme: "Oui, nous sommes des impressionnistes". Les peintres impressionnistes fascinés par les paysages maritimes et la lumière spécifique de la Normandie ou de la Riviera, ont traité la mer sous différents angles: les loisirs des premières stations balnéaires de la côte fleurie, la vie des ports marchands, l'industrie maritime, les tempêtes... Paul Gauguin (1848-1903) Sur la plage de Bretagne, 1889. Oslo, Nasjonalmuseet for Kunst, Arkitektur og Design, NG.M.01007 © Nasjonamuseet / Jarre, Anne Hansteen L'exposition regroupe 80 oeuvres de Monet, Manet, Gauguin, Manet, Pissaro ou Signac, dont les chefs-d’œuvre La Vague de Courbet (1870, Orléans, musée des Beaux-Arts) ou encore L’Évasion de Rochefort de Manet (1881, Paris, musée d’Orsay). En même temps, le musée fête le bicentenaire de la naissance d'Eugène Boudin (1824-1898) en incluant 25 de ses oeuvres à l'exposition. Informations Exposition L'Impressionnisme et la Mer Du 29 mars au 30 juin 2024 Musée des Impressionnismes Giverny 99, rue Claude Monet 27620 Giverny ↳ mdig.fr

L’architecte et designer Isabelle Castanier lance sa seconde exposition « Une maison à Saint-Tropez, tables et récits intimes » à partir du 4 juillet 2024. En partenariat avec Hélène Aguilar du podcast Où est le Beau? et une vingtaine de créateurs, elle organise une promenade scénographique dans sa maison d'enfance tropézienne pour découvrir objets et mobiliers de convivialité durables. Pour la deuxième année consécutive, Isabelle Castanier met en lumière le talent de créateurs émergents et confirmés au sein de sa maison de famille de Saint-Tropez. Sa nouvelle exposition dévoile le travail d’une vingtaine de designers, artisans et artistes soucieux de leur impact environnemental. Le collectif reconsidère les objets et les meubles sur le thème de la convivialité et de la table. Des matériaux de fabrication aux pigments de coloration, ces talents conscients et visionnaires proposeront mobilier, peinture, textile, photographie, sculpture et installation à contempler, à méditer et à adopter. " Dans un monde en mouvement et en quête de stabilité, la maison se fait refuge et la table, espace de réconciliation, lieu du beau, du bon, du vrai... La Table comme témoin de nos vies." L'exposition invite à une déambulation à travers les étages et le jardin et à découvrir cinq scénettes mettant en scène cette délectation artistique. Vous pourrez admirer notamment les sculptures aux influences siciliennes de Audrey Ballacchino, le mobilier en paille tressée d’Emma Bruschi, la céramique de Léa Bigot ou les photographies-documentaires de Guillaume Blot. Informations Une Maison à Saint-Tropez, Vol. 2 - Tables et récits intimes Du 4 Juillet au 24 Août 2024 Horaires : 10h-13h et 16h-20h Sur rendez-vous du lundi au vendredi Visite libre le samedi et dimanche Nocturne & Events privés chaque Jeudi soir Place des Lices, 17 avenue Foch 83990 Saint-Tropez ↳ isabellecastanier crédit photos © mathilde dehiley

Félix Valloton - Le rayon © collection particulière A l'occasion du 20e anniversaire de la Donation Senn-Foulds, le musée d'art moderne du Havre présente du 16 novembre 2024 au 16 février 2025, la collection offerte par les Senn, généreuse famille qui a légué au musée plus de 250 oeuvres d'artistes de renom. Armand Guillaumin - Paysage Le Brusc © collection particulière Du 16 novembre 2024 au 16 février 2025, le MuMa (Musée d'Art Moderne André Malraux du Havre) célèbre un événement marquant dans l'histoire du musée : le 20e anniversaire de la donation d'Hélène Senn-Foulds. En 2004, la donatrice avait offert 205 œuvres issues de la collection de son grand-père, Olivier Senn, un industriel et collectionneur passionné d'art. Parmi les œuvres données, figurent des pièces maîtresses de l'impressionnisme et du fauvisme, avec des artistes de renom tels que Courbet, Delacroix, Monet, Sisley, Pissarro, Renoir, Degas, et bien d'autres. Cette donation a grandement enrichi les collections du MuMa, offrant un témoignage essentiel des avant-gardes artistiques du XIXe et du début du XXe siècle. En 2014, la collection s'est encore élargie grâce à un autre don, celui de Pierre-Maurice Mathey, petit-fils par alliance d'Olivier Senn, qui a ajouté 17 nouvelles œuvres à l'ensemble. Cette exposition met également en lumière la richesse de la collection originale d'Olivier Senn, qui était bien plus vaste et variée que celle exposée aujourd'hui, comprenant des œuvres d'artistes qui ne sont plus présents dans les collections actuelles du MuMa. Grâce à des prêts provenant de collections publiques prestigieuses, telles que le Centre Pompidou, le musée d'Orsay, ou encore le musée de Giverny, ainsi que de collections privées, cette exposition offrira une perspective unique sur l'ampleur et la diversité de cette collection. Enfin, l'exposition rend hommage à Hélène Senn-Foulds non seulement pour sa donation, mais aussi pour sa propre collection d'art contemporain. Elle avait déjà enrichi le musée en 2009 avec des œuvres de son père, Édouard Senn, dont une toile remarquable de Nicolas de Staël, Paysage d'Antibes. Ce parcours familial témoigne d'une passion transmise sur trois générations, illustrant un engagement profond pour l'art de leur époque et le partage de ce patrimoine avec le public. Albert Marquet - Faubourg Saint Jean de luz © collection particulière Informations pratiques Exposition Les Senns, collectionneurs et mécènes Du 16 novembre 2024 au 16 février 2025 Musée d'art moderne André Malraux 2, boulevard Clemenceau 76600 Le Havre ↳ muma-lehavre I @mumalehavre tableau de couverture - Albert Marquet, La Femme Blonde © collection particulière

À l’occasion du 150ème anniversaire de la disparition de la céramiste Marie Talbot (1814-1874), le Musée de La Borne dans le Cher organise une exposition et publie la première monographie consacrée à l’artiste-potière. Le Musée de La Borne, situé entre Bourges et Sancerre, présente une exposition consacrée à l'œuvre de Marie Talbot, céramiste du XIXème siècle. Artiste issue d'une famille de potiers, Marie Talbot est connue pour sa production de grès décorés de scènes en relief influencées par le culture et l'imagerie populaire. Les œuvres de Marie Talbot couvrent souvent des poteries fonctionnelles comme des fontaines, des épis de faîtage ou des pièces plus modestes comme des bouteilles, qu'elle signe " fait par moi, Marie ". Ses créations sont très fréquemment anthropomorphes, représentant tout type de femmes, bourgeoises, paysannes ou sorcières, avec un soin tout particulier apporté aux détails. L'exposition réunit principalement des pièces inédites, provenant de collections privées et publiques. Au total, 80 oeuvres sont dévoilées au public du 30 mars au 11 novembre 2024. Egalement, le musée a profité de l'exposition pour publier la première monographie consacrée à l'artiste. Fontaine signée sur le fond « Fait par moi Marie Talbot, à La Borne » , Provenance, collection Jeanne Lanvin © anthony girard Informations pratiques Exposition Marie Talbot Du 29 mars au 11 novembre 2024 Musée de La Borne 17 Grand’Route La Borne 18250 Henrichemont ↳ museelaborne

Félix Valloton - Le rayon © collection particulière Du 7 décembre 2024 au 6 juillet 2025, le musée de campagne Cécile Sabourdy, accueille l'oeuvre photographique d'Hélène Degrandpré, une jeune photographe du Limousin. Cette exposition est une invitation à découvrir ou redécouvrir ce territoire, à poser un regard neuf sur ses paysages que l’on dit souvent modestes. A travers ses clichés, Hélène Degrandpré nous rappelle que la beauté est partout, pour peu que nous prenions le temps de la voir. Le musée Cécile Sabourdy célèbre la photographie à travers une exposition qui offre une lecture singulière de l'environnement du quotidien. À travers ses portraits et paysages, Hélène Degrandpré exprime un émerveillement brut, instinctif, face à des scènes ordinaires. L'artiste adopte un regard qu’elle revendique « naïf », établissant un dialogue sincère avec ses sujets et laissant leur essence transparaître sans artifice. Ce regard rappelle la démarche des artistes Naïfs, qui puisent leur inspiration dans le quotidien et transforment des objets banals en œuvres porteuses d’idéaux. Sous l’objectif de Degrandpré, le modeste devient grandiose : un arbre se dresse comme un géant, une prairie révèle une sophistication insoupçonnée, et les étangs bruissent d’un mystère presque sacré. Au cœur de ces paysages sublimés, les hommes et les femmes qui travaillent la terre, les animaux et surtout les enfants incarnent une joie simple et universelle : celle d’habiter le vivant. Ces œuvres, réalisées en 2024 dans le sud de la Haute-Vienne, témoignent de la magie qui réside dans ses paysages, une magie que ses habitants côtoient sans toujours la voir. Elles invitent à ralentir, à observer, à renouer avec ce qui est sous nos yeux. Informations pratiques Exposition Être(s) Vivant(s) Du 7 décembre 2024 au 6 juillet 2025 (Musée fermé en janvier.) Musée Cécile Sabourdy 2, rue du musée Cécile Sabourdy 87260 Vicq-sur-Breuilh ↳ museejardinscecilesabourdy I @museececilesabourdy

© cité internationale de la tapisserie d'Aubusson À l'occasion de la réouverture de la Cité internationale de la Tapisserie après plusieurs mois de rénovation, le public est convié à explorer les coulisses et le processus de création d'une tapisserie monumentale rendant hommage à George Sand, 150 ans après sa disparition. Cette œuvre inédite, commandée par l'État et réalisée par l'artiste Françoise Pétrovitch, sera dévoilée en 2026. Détail d'un carton de la Tenture hommage à George Sand par Françoise Pétrovitch © zoé forget "Les Mains d’Aubusson" révèle un projet inédit de tapisserie-installation monumentale, actuellement en cours de réalisation à Aubusson. Conçue en hommage à George Sand pour les 150 ans de sa disparition en 2026, cette œuvre revisite la tradition des tapisseries commémoratives en offrant une interprétation contemporaine de la vie et de l’œuvre de l'écrivaine. La tapisserie de 23 mètres de long sur 2,15 mètres de haut est réalisée avec un dispositif autoportant conçu par Corégie Expo, permettant une installation adaptable et favorisant la déambulation du public. Réalisée par Françoise Pétrovitch, l’œuvre s’inspire du rythme de l’eau et du paysage à travers la technique du lavis. Sa création repose sur un dialogue entre savoir-faire et création : Delphine Mangeret, dessinatrice-cartonnière, a transposé la maquette originale en modèle de tapisserie ; la teinturière Nadia Petkovic a adapté les gammes de peinture en teinture ; et la lissière France-Odile Perrin-Crinière a affiné le calibrage des textures. La fabrication est assurée par la Manufacture Robert Four à Aubusson. Le tissage, entamé au printemps 2024, est le fruit de plus de 8 000 heures de travail, mobilisant un savoir-faire d'exception pour donner vie à cette œuvre unique. Son dévoilement est prévu pour juin 2026. L'artiste Françoise Petrovitch - travail en atelier © zoé forget Artiste reconnue depuis les années 1990, Françoise Pétrovitch explore diverses techniques (céramique, lavis, estampe…). Son œuvre se caractérise par des thèmes tels que le double, la transition ou la disparition, créant un univers ambigu et transgressif. Elle a bénéficié de nombreuses expositions, notamment au Louvre-Lens, à la BnF et prochainement au musée Jenish Vevey en 2025. Informations pratiques Exposition Hommage à George Sand Du 20 Janvier 2025 au 08 Juin 2026 Cité Internationale de la Tapisserie d'Aubusson Rue des Arts 23200 Aubusson ↳ cite-tapisserie

Henri Matisse - La Leçon de piano, 1923 © Collection Nahmad Le Musée des Impressionnismes de Giverny s’apprête à inaugurer une exposition inédite, mettant en lumière l’une des plus prestigieuses collections d’art moderne et impressionniste : la Collection Nahmad. Du 28 mars au 29 juin 2025, cette exposition permettra aux visiteurs de découvrir une sélection fascinante d’œuvres majeures, témoignant de la richesse et de la diversité des mouvements artistiques des XIXe et XXe siècles. Claude Monet - circa 1874. © Collection Nahmad Depuis plus de 60 ans, David Nahmad et son frère Ezra ont constitué une collection d’art exceptionnelle, animée par une passion sincère et un profond respect pour les artistes. Contrairement à de nombreux collectionneurs, les Nahmad ne se contentent pas de garder leurs trésors pour eux-mêmes, mais les partagent généreusement avec le public, permettant à leurs œuvres de voyager à travers le monde. Au cœur de cette collection, une passion pour l’art moderne se fait particulièrement sentir, avec une admiration particulière pour Pablo Picasso, mais aussi pour d'autres figures majeures comme Henri Matisse et Claude Monet. L’exposition qui se déroulera du 28 mars au 29 juin 2025 au Musée des Impressionnismes de Giverny propose un voyage à travers l’impressionnisme, en dévoilant une sélection d’œuvres marquantes, mais aussi quelques pièces plus rares et inattendues. L’exploration commence avec les précurseurs du mouvement, comme Eugène Delacroix et Jean-Baptiste-Camille Corot, avant de mettre en lumière des figures telles qu’Alfred Sisley, Camille Pissarro et Edgar Degas, chacun apportant une vision unique de la réalité. Claude Monet, au centre de l’exposition, incarne l’essence même de l’impressionnisme. Ses paysages de lumière, ses célèbres Nymphéas, et ses œuvres en Norvège montrent l’évolution d’un artiste obsédé par la lumière et la nature. Odilon Redon - Figure portant une tête ailée (La Chute d’Icare), vers 1876 © Collection Nahmad Mais l’exposition ne se limite pas aux impressionnistes classiques. Elle explore également la transition vers le XXe siècle, avec des œuvres de Pablo Picasso, Giorgio de Chirico, Amedeo Modigliani et bien d’autres artistes emblématiques du modernisme. Le dialogue entre les anciens maîtres et les modernes, tels que Balthus, offre aux visiteurs une perspective enrichissante sur l’évolution de l’art au cours de cette période charnière. Les œuvres de la Collection Nahmad permettront d’observer comment l’impressionnisme, avec sa quête de la lumière et de l'instantanéité, a ouvert la voie à de nouvelles explorations formelles et expressives. Informations pratiques Exposition La Collection Nahmad Du 28 Mars 2025 au 29 Juin 2025 Musée des Impressionismes Giverny 99 rue Claude Monet 27620 Giverny ↳ mdig tableau de couverture - Federico ZANDOMENEGHI - La Corbeille de géraniums, vers 1901 © Collection Nahmad

Depuis quinze ans, Aurore Bagarry explore les formes sculptées par le temps — glaciers, falaises, rivages. Avec De la côte, présenté au FRAC Bretagne en partenariat avec Passerelle Centre d’art contemporain jusqu’au 8 juin 2025, elle poursuit son travail à la croisée du regard scientifique et de la sensibilité paysagère. Aurore Bagarry, à l’écoute des formes de la côte Depuis une quinzaine d’années, Aurore Bagarry explore, à la chambre photographique, les formes naturelles des glaciers alpins, des rivages de la Manche et de l’Atlantique, jusqu’aux côtes martiniquaises et guadeloupéennes. Dans la lignée des inventaires du XIXe siècle, elle constitue un répertoire sensible et rigoureux du paysage. Son travail, marqué par la lenteur et la précision du geste photographique, capte la tension entre les temps géologiques et humains. Le littoral devient un lieu de métamorphose où l’eau façonne la roche, révélant la beauté brute du monde minéral. Plutôt que d’expliquer, ses images invitent à ressentir. Elles ouvrent un dialogue silencieux entre l’humain et la nature, entre l’éphémère et l’invisible. De la côte a vu le jour dans le cadre de la résidence « Grand Ouest », soutenue par la Fondation Neuflize OBC, les Ateliers Médicis et la DRAC Bretagne. Informations pratiques Exposition De La Côte Du 13 Février au 8 Juin 2025 Centre d’art GwinZegal 4 rue Auguste Pavie 22200 Guingamp ↳ gwinzegal © aurore bagarry